Sonny Assu

Sonny Assu (Ligwilda'xw of the Kwakwaka'wakw Nations）以其对原住民文化象征及流行文化的结合而被大众熟知。通过各种媒介，包括雕塑、绘画、版画、大型装置和艺术干预，Assu的作品与传统保持着深刻的联系，同时与当下时代的相关问题进行对话。

Assu的作品被许多重量级公共机构收藏，包括加拿大国家美术馆（渥太华）、安大略艺术馆（多伦多）、人类学博物馆（温哥华）和温哥华艺术馆。2021年，Assu获得了Eiteljorg当代艺术奖学金，该奖学金由印第安纳州印第安纳波利斯的Eiteljorg博物馆每两年颁发一次，该博物馆是享誉全球的原住民艺术收藏地。

Dempsey Bob

Dempsey Bob是狼族的一位杰出的Tahltan and Tlingit艺术家。他出生于1948年，1969年开始在他最早的导师Freda Diesing指导下进行雕刻。Dempsey Bob的雕塑既传统又先锋，他将传统的叙事和图腾与当代的影响相融合。他的动态雕塑以高度生动的雕塑重新想象传统，承认他们所依赖的血统，同时融入了对雕塑的广阔视野和理解。

Bobbie Burgers

Bobbie Burgers对自然界中的腐烂、转变和蜕变过程感兴趣。她的作品具有独特的风格，将抽象与表现越来越多地融合在一起，汇集了本能的构图，同时揭示了她精确的观察能力。Burgers的画作因其构图节奏、大胆的色彩和横扫一切的笔触而引人注目，她的画作以一种诗意的、抽象的方式，将表达个人、主观和情感的基本追求带入了现实。

Kim Dorland

Kim Dorland的实践反映了对神秘的加拿大景观之迷恋，因它与当代城市体验相融合。Dorland所代表的心理氛围是对抗性的和幻觉性的，打破了自然世界常被赋予慰藉及沉思的传统观念。Dorland使用密集的色彩矩阵、疯狂的纹理和充满激情的绘画触感，带来了一种矛盾的位移感，艺术家与自然的关系同时是一种敬畏和恐惧。与此同时，当代城市生活的碎片以幽灵般的人物和涂鸦残余的形式出现。正是通过这些对决式的景观表现，Kim Dorland创造了一组被赋予了情感的作品，其潜力远远超过了画布的形式限制。

Marten Elder

Marten Elder的摄影作品对数字和技术发展下的图像捕捉方式进行重新考量。通过对原始数据的仔细解读，Elder制作的照片打破了空间层次，在色调范围内具有强烈的活力。这些颜色初看起来是合成的，但它们都以相同的相对关系存在于这个世界上，正是这种对世界的表述让Elder非常感兴趣。

Gathie Falk

Gathie Falk的实践细致地将日常生活中的物体转化为不寻常的东西。通过各种艺术形式，包括行为艺术、雕塑、陶瓷、绘画和素描，她的作品给人以超现实和梦幻的感觉，将衣服、水果、植物、鞋子或棒球帽重塑为具有更深刻意义的物品。虽然这些物体很平常，但它们所携带的个人符号--而不是普遍观念--才是Falk感兴趣的。她的实践一直与超现实主义、Funk、Fluxus和波普艺术的传统保持一致，但这些影响很少是直接的。的确，Falk喜欢在矛盾的边缘探寻。

Angela Grossmann

近四十年来，Angela Grossmann因其对身份、性别政治和流离失所等复杂问题的不懈探索而受到认可。她的绘画、拼贴画和混合媒体作品的主题在很大程度上参考了女性人物---她从收集的大量图像档案中挑选出来，这其中包括艺术历史参考、明信片及快照资料。Grossmann的人物描绘含括了从青春期到成熟期的阶段，充满了表现力、流动性及难以捉摸的特点，并揭示了外界与私人之间模糊和变化的界限。从大幅画作到精美尺寸，从美丽到崇高，从精致的素描和姿态绘画到不同身体部位的分层照片，Grossmann对身体表现的广泛探索不仅激活了社会和个人人类经验之间的空间，还揭示了她与艺术过程本身的感性和与不可预测的深度接触。

Adad Hannah

Adah Hannah通过精心制作的作品，包括装置、录像和摄影，探索历史上的尖锐主题。受历史上tableaux vivants（翻译为 "活的图片"）的启发，Hannah的整体实践援引了早期电影的持续形式，同时也通过模仿绘画来参考早期的摄影作品。“时间”在汉娜的作品中占据了一个突出的位置，这是由Hannah对时间性及其与摄影和视频的复杂关系的持久兴趣所铸就的。Hannah通过模糊tableau及摄影之间的边界来推动“活的图片”之发展。

The Estate of Fred Herzog

Fred Herzog于1930年出生在德国，1953年移民到不列颠哥伦比亚省的温哥华。在他的整个职业生涯中，他几乎只用柯达克罗姆胶片摄影，直到过去的十年中，打印技术才允许他制作与柯达克罗姆胶片的特殊颜色和饱和度相匹配的档案颜料打印。Herzog对色彩的使用在20世纪50年代和60年代是不寻常的，当时的艺术摄影几乎只涉及黑白图像。从这个角度，他的照片可以被看作是70年代 "新色彩 "摄影师的预演。

Shawn Hunt

Shawn Hunt是出生于不列颠哥伦比亚省Bella Bella的Heiltsuk艺术家。Hunt的艺术实践受到他苏格兰、法国和原住民背景以及与之相伴的视觉文化和传统的影响。他采用传统的西北海岸设计原则，根据祖先的Heiltsuk宇宙学，创作抽象、超现实的艺术品，这些作品通常参考了当代原住民的生活。Hunt一直在寻求突破艺术形式的界限，并经常在他的作品中将非传统观念及材料和图案的创新使用相结合。

Geoffrey James

30多年来，Geoffrey James一直在通过两个对立的主题探寻西方社会：理想的空间--例如华丽的花园和林荫公园；以及记录文化对自然影响的场所--例如采矿场的荒地和充满激化矛盾的国际边界。James的照片回荡着一种历史感，但又牢固地扎根于当下。他在建筑环境中定位人类愿望的本领，加上对图像结构的敏锐感知，使他能够在过去的规划景观和我们当代城市环境的视觉复杂性中发现诗意和讽刺。

Jack Kenna

Jack Kenna的艺术实践在绘画和雕塑之间流畅地延伸，并通常结合现有的图像、物体和文字。他的作品部分来自于他的物质环境，他的构图是经过深思熟虑的，包含了非常规的并置、不可思议的背景以及对具有主观和感性价值的物体的特写与剪裁。Kenna还极大地利用了大量的现有图像，在不断出现、变形和重组中探索实践。Kenna的作品结合了广泛的技术，使他能够使用不同的表现方法。作为一个年轻的艺术家，他能够自如地将传统静物画与手机摄影融合在一起，使他能够创作出传达当代经验中固有悖论的作品。

Devon Knowles

Devon Knowles探索了不同材料的历史、经济和社会意义--从牛仔布和铝到彩色玻璃和混凝土。在将这些物质从它们的日常环境转移到一个新的环境中时，我们对它们的特性及能力的欣赏变得愈加强烈。在使用传统和现代制造方法对材料进行加工和再加工的过程中，呈现出材料和方法相互作用的丰富语言。Knowles的艺术创作融入了感知、触觉及光学效果的理论，并鼓励观众在共情下理解她的作品。

Gwenessa Lam

Gwenessa Lam是一位视觉艺术家和艺术教育家。她的艺术作品源于对感知以及图像中时间和记忆的压缩之兴趣。Gwenessa在不列颠哥伦比亚大学获得了她的艺术学士学位，在纽约大学获得了艺术硕士学位。她曾在纽约大学、不列颠哥伦比亚大学和阿尔伯塔艺术大学任教。她曾在Skowhegan, MacDowell, Yaddo, Banff Centre作为访问艺术家。 她的作品曾在纽约布朗克斯艺术博物馆和皇后区艺术博物馆展出过。 Gwenessa在不列颠哥伦比亚省温哥华生活和工作，目前是Emily Carr University of Art and Design的副教授。

Khan Lee

Khan Lee出生于韩国首尔。移民加拿大之前，他在弘益大学学习建筑，之后在Emily Carr Institue of Art + Design学习艺术。他的作品涉及表演、媒体、雕塑和绘画。他的艺术实践含括了对形式与过程的探寻，以表达物质和非物质内容之间的内在关系。他的作品时常在国际展出。Lee在不列颠哥伦比亚省温哥华市生活和工作。

Erin McSavaney

Al McWilliams

Al McWilliams的雕塑形式是通过观察和绘画发展起来的，其联想在具象和抽象之间飘移，但却没有被固定在任何一个地方。他的雕塑提供了叙述，这种开放的叙述没有明确的始与终，而是在形式和材料之间有大量的交汇点。白色的卡雷拉大理石是一种熟悉的材料，让人想起拥有历史悠久且丰富的西方雕塑和建筑。红色花岗岩的抛光表面使人很难从远处看到细节，从而吸引观众走近作品，发现其充满活力的内部活动。

Rob Nicholls

罗布-尼克尔斯的风景画体现了自然界对人类心灵的超越性影响。通过有质感的笔触、光亮的色彩和松散的水洗，他的画是植物、动物和地质形式的综合，充满了大气条件。这些图像来自于他的想象力和对被温哥华岛茂密植被包围的童年的回忆。

他空灵的风景唤起了对超越物理的世界的想象，进入了主观想象的领域。尼科尔斯的作品具有扩张性和万花筒式的特点，他的作品不呈现单一的空间或时间视角；相反，他的每一个环境都提供了多种质量的光线，从黎明的鲜艳色彩到黄昏的柔和色调。

Philippe Raphanel

30多年来，Philippe Raphanel的绘画实践一直以对自然景观的认识和感性为标志。他的近期作品从大气的角度接近景观的概念，使用线条和颜色来唤起与海洋和天体地图有关的图像。五彩的颜料加上数百层交替的非透明和半透明的颜色，随着观众的角度和对光线的反应而变化。Raphanel的创作过程耗时耗力，通常需要用时数年来完成单个作品。

Hamed Rashtian

Hamed Rashtian is a Vancouver-based visual artist who focuses on creating a dialogue between various colonial histories through his art. Through his practice, Rashtian delves into a thought-provoking exploration of Iran’s rich cultural heritage, evoking contemplation on the ever-evolving interplay between history, collective identity, and the built environment.

Hamed Rashtian completed his MFA at Emily Carr University of Art + Design in Vancouver and holds a Swiss Federal Diploma in Higher Education from the F+F School of Art and Design in Zurich. Active as a visual artist since 2006, Rashtian has had solo exhibitions in Iran, Switzerland, and United Arab Emirates as well as participated in many international group exhibitions. He is currently a PhD student in the School of Interactive Arts & Technology at Simon Fraser University in Vancouver.

Ben Reeves

Ben Reeves因其在构图中对颜料的丰富使用而闻名，他巧妙地探索了抽象和描绘之间的关系。他的作品积极参与绘画理论，提出了关于图像真实性的问题。乍一看，他的许多作品似乎慷慨地借用了19世纪的现实主义，但每幅画作都是精心构思的。Reeves的作品不断地宣称，绘画图像是一种笔触的词汇，是一种从文化意义上理解的视觉语言。在厚厚的油画颜料支配下，凹凸不平的表面使Reeves的画作以似浮雕形式存在。

The Estate of Jack Shadbolt

Jack Shadbolt (1909 - 1998)是加拿大最重要的艺术家之一。他的绘画和壁画以于其个人经历、不列颠哥伦比亚省和世界历史上发生的社会和政治冲突（例如原住民的斗争、第二次世界大战和环境运动）为背景而闻名。

Jack Shadbolt 1909年出生于英国，1921年随家人来到不列颠哥伦比亚省的维多利亚市。他在维多利亚、邓肯、温哥华和本拿比生活并教学。加拿大所有重量级艺术馆、企业、及私人收藏中都有他的作品。Shadbolt的众多奖项包括1972年的加拿大勋章，不列颠哥伦比亚大学的荣誉学位。1987年他和他的妻子，艺术史学家和策展人Doris Shadbolt成立了温哥华视觉艺术学院VIVA，该学院支持和认可不列颠哥伦比亚省艺术家的成就。

The Estate of Gordon Smith

Gordon Smith (1919-2020) 是加拿大当代艺术界的关键人物。自 1950 年代以来，他不断努力扩大抽象与表现之间的交融。在他错综复杂的画作中，表面之下孕育着整片的色彩领域。在他长达 75 年的职业生涯中，他使用循环和重叠、线到线的运动、纹理到纹理、颜色到颜色的程序进行绘画。他的作品一直在不断寻求抽象和他对土地的热爱之间的平衡，这让我们深入了解了他的绘画行为及西海岸风光的精髓。

Takao Tanabe

Takao Tanabe（生于1926年）是加拿大绘画和版画界的重要人物。Tanabe创作了不列颠哥伦比亚省海岸的风景画，剔除了非必要的细节，创造了宁静的构图，使人沉思。他以其超然的光线和气氛而闻名 —— 从细腻和缥缈到忧郁的波动。他的作品以强烈的地平线和大片的水面、天空为主，没有任何人造元素。

Angela Teng

Angela Teng的作品重新考虑了传统意义上对绘画的要求，在此基础上进行艺术探寻。她的绘画实践通过抽象化和基于工作室的材料探索，对工艺过程进行了深入的研究。她的钩编丙烯颜料的 "颜料画 "熟练掌控了对颜料的处理方式；她在手工钩编的棉/亚麻布上的作品则用画笔涂抹出厚重的油彩。她的图案产生了一种光学的嗡嗡声，这种嗡嗡声是由颜料的大理石纹路、摇摆的形式以及通过实验和观察颜色之间的光学互动而产生的。

The Estate of Harold Town

Harold Town是Painters Eleven的创始成员，Painters Eleven是一群驻多伦多的艺术家，致力于在加拿大推广现代主义运动，例如1950年代的抽象表现主义。Town开发出了一种被他称为"Single Autograph Prints"的版画风格——通过叠加墨水创作出鲜艳色彩和清晰形状，时而用拼贴为作品增添纹理。1960年时，Town的绘画生涯开始腾飞，其归功于他巧妙构图和深幻莫测色彩使用。Town对艺术的奉献体现于他在雕塑、版画、素描和绘画中灵活运用各种材料和创作主题。

Renée Van Halm

Renée Van Halm作为艺术家和艺术教育家，四十多年来一直是加拿大艺术界的一个重要人物。在她职业生涯的早期，Van Halm对创造众多媒介的混合形式感兴趣，而不是纯粹的绘画、雕塑或建筑。她的创作主题和媒介的演变使她考虑到我们文化中的多种视觉表现形式。Van Halm从各种来源中提取她的图像：主流时尚、建筑和装饰杂志。她最近的作品受1920年代Bauhaus艺术家和织工作品启发，来考虑建筑空间支配当代人类体验的方式。

Neil Wedman

Neil Wedman在其作品中采用可识别的形式结构, 旨在实现似照片的外观，但在感知上介于表现和抽象之间的作品表达。Wedman利用传统艺术技巧探索古怪的主题，如爆炸的烟花工厂、甜点彩虹，还有飞碟。作为与Rodney Graham和Jeff Wall同一时代的艺术家，Wedman的作品对幽默解读、社会评论和解构摄影艺术有着同样的偏好。他与同乡摄影伙伴们的作品有着共同的关键特征，并且都倾向于质疑摄影媒介。Wedman制作了照片、短片和多媒体项目，但绘画是他工作室实践的核心。

Etienne Zack

Etienne Zack是当今真正在绘画概念方面推陈出新的艺术家之一；他的创作过程完全基于阅读和笔记--没有使用任何原始视觉材料。他的绘画过程与历史本身被操纵和演变的各种方式之概念相关。Zack的作品经常关注艺术作品制作的背景，以及创造这些作品的工具及概念：工作室、画廊、画家的材料以及历史和理论参考书。Zack的绘画既富有诗意又充满乐趣，促使我们重新审视周围的日常世界。